Hernando Valdemar, escultor egresado de la Escuela de Arte de Trujillo "Macedonio de la Torre", ha mantenido una exploración silenciosa, interpretando la naturaleza al simplificarla en espacios breves y de superposición geométrica.
Lo que puede hacer diferente su obra es el gran dinamismo de su creación, movimiento constante que nos hace olvidar de la quietud pétrea de su trabajo, que solo es reflejo de su personalidad, en apariencia quieto pero con una gran fuerza de voluntad y constancia que lo ha hecho llegar a ser el ganador del primer premio en el Salón Nacional de Escultura, celebrado en la Casa de la Emancipación en la ciudad de Trujillo - Perú.
Elegido entre los mejores representantes de esta especialidad Hernando destaco por su versatilidad, y lo vanguardista de su creación que a pesar de ello tiene una carga iconográfica de las culturas pre - colombinas del norte del país, que nos habla de su profunda identificación con sus raíces y su pueblo.
Un merecido reconocimiento al esfuerzo realizado hasta el día de hoy.
McKennitt nació y creció en Morden, Manitoba, una población en medio de las praderas canadienses cuyos habitantes eran irlandeses, escoceses, alemanes e islandeses. Se podría decir que fue aquí; donde se sintió expuesta por primera vez a las influencias multiculturales. Loreena, la más vigorosa bailarina de la danza Highland, fue criada por su madre, enfermera, y su padre, ganadero.
"Era una comunidad muy humilde. La gente era inmigrante. La supervivencia era el tema del día y, en muchos sentidos, el acceso a la cultura era bastante limitado. Aunque la mayoría de antepasados de mi familia eran irlandeses, lo cierto es que en mi infancia no hubo mucho 'Celta', ni en la música ni en los cuentos". Después de pasar la adolescencia en Morden, McKennitt soñaba con conocer un mundo más amplio. Conoció el boom de la música folk celta en un club folk de Winnipeg.
"El primer paso fue la música celta. Su sonido me atraía de forma casi instintiva, y se convirtió en el vehículo para conocer la historia de una manera que jamás había soñado", recuerda.
En la más cosmopolita Winnipeg empezó a estudiar veterinaria, antes de decidirse finalmente por mudarse a Stratford (Ontario).Allí fue donde empezaron a apreciar su talento como compositora e intérprete, más precisamente en la vibrante escena cultural creada alrededor del prestigioso Shakespearean Festival . McKennitt sigue viviendo en esa ciudad, en una granja rural.
Enamorada ya de la poesía de Yeats y de la música del arpista bretón Alain Stivell, de Planxty y la Bothy Band, McKennitt descubrió el liricismo de la música folk irlandesa. Cuando hizo su primer viaje a Irlanda en 1982, encontró un liricismo parecido en el paisaje de esa tierra y en el espíritu de su gente.
De regreso a casa, puso todo su fervor celta en una interpretación de "The Stolen Child" de Yeats. Inspirada por un libro titulado "Cómo hacer y vender tus propios discos" de Diane Sward Rapaport, en 1985 creó su propia compañía discográfica, Quinlan Road, y grabó "Elemental", una cassette de nueve canciones. Hizo copias y empezó vendiéndolas en su coche, encontrándose con el público en el nivel más inmediato, casi como un feriante.
A medida que la lista de clientes de McKennitt crecía, el boca a boca en los cafés y librerías le iba creando un gran público. Su público seguía a McKennitt en su exploración del cañón tradicional, siempre buscando la reverberación que hiciera que las antiguas melodías estuvieran en armonía con su voz. Ella está especialmente orgullosa del trabajo realizado en "Bonny Portmore" incluido en "The Visit". Esta es una oscura balada que se lamenta por la desaparición de los antiguos bosques irlandeses de robles, adorados por los europeos pre-cristianos, y que en la actualidad tiene una relevancia muy contemporánea adhiriéndose con la lucha por la preservación de los bosques.
Después de "Elemental", McKennitt hizo su particular homenaje a los villancicos navideños con "To Drive The Cold Winter Away" (1987), y dió sus primeros pasos en el mestizaje transcultural con su siguiente trabajo, "Parallel Dreams" (1989). En esa época le encargaron que compusiera la música para la prestigiosa serie de películas "Women And Spirituality" del National Film Board de Canadá.
Uno de los momentos clave de la evolución de McKennitt tiene lugar en Venecia (Italia) en 1991, en la mayor exposición que se haya celebrado de colecciones internacionales de artefactos celtas. "Hasta que fuí a esa exposición yo creía que los celtas eran gente que provenían de Irlanda, Escocia, Gales y Bretaña", recuerda McKennitt.
Al ver la increíble riqueza y variedad a través de los siglos del arte celta recopilado en lugares tan lejanos como Hungría, Ucrania, España y Asia Menor, recuerda, "Me sentí entusiasmada. Era como pensar que en tu familia solo existen tus padres y hermanos, y luego te das cuenta de que hay todo un pedazo de historia que es una extensión de lo que tú eres".
Esa epifanía transformó la música de McKennitt.
El sonido primitivo del tambor con el que se abría su siguiente disco "The Visit" (1992) anunciaba una nueva dirección, una dirección confirmada con las valientes y cinematográficas interpretaciones de Shakespeare y Tennyson, y con su inusual y valiente versión de la balada compuesta por Enrique VIII, "Greensleeves".
Este proceso floreció espectacularmente en "The Mask And Mirror" (1994). La nueva parada en el camino de McKennitt era Galicia, la parte celta de España y, a continuación, la España del siglo XV cuando las culturas judía, islámica y cristiana se mezclaron para formar lo que se ha llamado la Edad de Oro, una época de profunda influencia cultural sobre la evolución de la cultura occidental.
La originalidad de la visión musical de Loreena McKennitt tiene su paragón en la independencia con la que contempla la industria discográfica. "Creo que el provenir de un entorno rural de granjeros me ha dado la capacidad de ser auto-suficiente. Te familiarizas con la resolución de problemas creativos. Si realmente deseas algo, te arremangas y te pones manos a la obra."
Cuando McKennitt decidió que era el momento adecuado para acercarse a la industria discográfica multinacional, firmó un contrato muy especial con el grupo Warner a nivel mundial. Ese es un trato que ha sido de lo más fructífero ya que sus discos se han vendido por millones en más de cuarenta países. A partir de "The Visit", Warner ha distribuido su trabajo, mientras ella sigue controlando todos los aspectos de la creación y a la promoción.
“… Gennell nos presenta personajes femeninos conocidos, pero enriquecidos con una sutileza muy propia de este artista. Así, Madame Butterfly, Santa Rosa y una de las Meninas de Velásquez nos miran con sus ojos dark y gothic y sus caras pálidas nos llevan a un entorno natural imaginario.
La idea es tomar un personaje cualquiera, descontextualizarlo y rodearlo de naturaleza.Así como estas mujeres, cualquiera de nosotros – saliendo de nuestras casa, oficinas o de la ciudad – podría tener contacto “abrazando un árbol o dando besos al mar y cielo” con lo esencial que es la vida natural”.
“…Todos somos parte de la misma naturaleza, pero, como vivimos en espacios urbanos donde los natural existe únicamente en forma reducida (aunque tenemos un país tan diverso y único en su fauna y flora), tendemos a olvidarlo.
Es hora (una vez más) de sensibilizarnos, de abrir los ojos y de valorar. En ese proceso, el trabajo de Gennell es de gran ayuda”.
Ruth Pröglohöf Historiadora y Crítica de Arte.
La Muestra "La Caja Negra", se puede visitar en "Galería Azur" de la Alianza Francesa. Jr. San Martín 858 - Trujillo - Perú, durante este mes de Mayo del 2009.
Músico Griego de una genialidad evidente, ha sido mas bien simplemente melódico, y a través de estas (melodías), nos ha ido revelando cuan profunda e infinita es la capacidad de crear y resolver sentimientos a través de partituras escritas con el alma.
Y después de mas de 30 años de esa insaciable búsqueda de nuevas estaciones, se detuvo, dejo de componer nuevos temas, y después de casi cinco años, se revela diferente, dándole un giro totalmente distinto a sus creaciones, agregando "Voces" a sus temas mas representativos.
Sorprendente: un realización que tiene discos gemelos, uno en ingles y el otro absolutamente latino. Para este último a dado cabida a artistas mexicanos como: OlgaTañón, Cristian Castro, José José, Lucero, José Feliciano, WillyChirino y Arturo Sandoval. Debutando en el Top 20 del Billboard.
Aquí un extracto de una entrevista realizada al rededor del lanzamiento para el publico de habla hispana de esta producción:
(...) ¿Cómo te animaste a hacer este disco, bueno, dos discos de Voces, uno en inglés y otro en español?:
Eso no lo decidí. Hace dos años y medio que empecé a hacer música nueva y la quería mezclar con voces. Me hice de un nuevo amigo, se llama RicWake. Pienso que es uno de los más exitosos productores de vocalistas de nuestra época. Ha trabajado con CelineDion, JenniferLopez, WhitneyHouston y muchos más. Nos hicimos amigos y me sugirió que grabáramos voces e hiciéramos la música juntos. Empezamos una canción a la vez, hace dos años y medio. Ciento treinta canciones después, teníamos tantas diferentes piezas musicales y poco a poco empezamos a pensar "esta podría ser para Lucero", "esta está buena para OlgaTañón" o "esta para Cristian Castro". Uno de mis favoritos -y nos tomó seis meses encontrar una pieza adecuada para él- fue José José. Fue un proyecto muy especial.
(...) ¿La canción de José José es aquella con la que más te identificas del álbum?:
No lo sé. Eso depende de los oyentes. Me encanta porque fue un milagro. Conocí a José José en el estudio y todos quedamos fascinados con él, habla muy bien, tiene un gran espíritu, es toda una inspiración. Sabía que tenía problemas con su voz y pensé que sería grandioso si le pudiéramos dar otra oportunidad, que cantara una vez más. Sé que estuvo entre siete y diez días preparándose y creo que fue un acto de valentía de su parte, su voluntad de intentarlo. Entre nos, las posibilidades de que fracasara eran muy altas. El día anterior se presentó en el estudio y estábamos orando mucho, te lo garantizo. Cuando volvió al estudio, ocurrió el milagro. Volver a creer es la canción y te aseguro que luchó con cada nota que salió de su garganta, con tanta pasión. Al final estábamos llorando en el estudio.
(...) ¿Cómo fue trabajar con los otros artistas?:
Todos y cada uno de ellos son maravillosos, no hay un favorito. Fue muy divertido, pero son tan distintos. Cuando apareció OlgaTañón, era la mujer de fuego, con una excelente voz...
¿Y ella escribió la letra?:
Sí, es una mujer muy poderosa y apasionada. Le habíamos escrito la canción y le gustó la melodía, pero la letra le pareció muy débil (risas). La hizo suya y fue asombroso trabajar con ella, hicimos un vídeo después, es una gran mujer. Fue maravilloso trabajar con todos ellos, son muy profesionales.
Uno de tus discos más famosos es en Acrópolis de Atenas. Me gustaría saber si quisieras tocar en lugares como ChichenItzá o MachuPicchu, por ejemplo.
Es posible, pero preferiría Teotihuacán, en las afueras de Ciudad de México, es uno de mis lugares favoritos. Me han pedido que toque en MachuPicchu y en muchos países latinoamericanos. Pero conciertos de esta clase son algo muy difícil y conlleva una gran responsabilidad. Cuando estaba por empezar el concierto en el TajMahal ante 250 millones de personas que me veían por televisión, me temblaban las rodillas. Además, uno debe acercarse con respeto, puede que la música le parezca apropiada a uno pero no lo sea para los lugareños. No es fácil. Quiero presentar un proyecto que rinda homenaje al monumento. No me verás haciendo mucho de eso en mi vida, no creo que sea necesario. Lo importante es que muestre cómo se juntan las culturas y se vea qué tan similares son.
En la puesta en escena del día a día, Dino Cruzado ha decidido ser protagonista, no espectador, entregándose a proyectos colectivos, obedeciendo a su visión particular del arte, él entiende las manifestaciones plásticas como un conjunto de experiencias que deben ser presentadas y entendidas por la colectiva como un todo y no como una manifestación aislada.
No deja de tener razón, vista el arte como parte de una comunidad ingresa en el nivel social de trascendencia, y el entender la importancia de la cultura que maneja la población en conjunto es un detalle que escapa a muchos que laboramos en talleres identificados solo en nuestros laberintos personales.
Pero no es una tarea que todos podamos desarrollar, existe un perfil vocacional allí también, y es donde radica la importancia de tenerlo entre nosotros, y que solo revelara su verdadera valía en el tiempo (que espero sea muy corto a pesar de la ceguera colectiva).
Presidente de la Asociación de Artistas de La Libertad, ha vendido desarrollando proyectos con admirable resolución a pesar de, y que solo subrayan lo anterior descrito, al haber encontrado un medio para canalizar lo que sabemos necesitamos hacer, se convierte inmediatamente en nuestro por que, y como en un lienzo gigante hecho de horas y días, solo debemos dejarlo fluir.
Lesiëm, es un proyecto musical que nació el año 1998, y fue acercado al publico Alemán el año 2000, su primer disco denominado “Lesiëm” tuvo una acogida sorprendente, por lo que fue re editado y lanzado en 50 países mas en abril del 2002 con el nombre de “Mystic, Spirit, Voices”. Trabajo del que se destaca Fundamentum, que tuvo una versión extendida y de descarga gratuita de su página oficial: http://www.lesiem.de/
Sus temas enfocados en conceptos espirituales y de confrontación entre las flaquezas y virtudes del ser humano, describen batallas cruentas que se llevan a cabo dentro de todos nosotros cuando deseamos abrirnos paso por un mundo incierto y lleno de falsas promesas. Lesiëm, además, describe las consecuencias de nuestros actos, llevando estos simbolismos al siguiente nivel, al atraparnos en el conjunto de metáforas y laberinticos coros monumentales, abundantes en latín con un deliberado acento alemán.
El éxito del álbum debut lanzado hizo que los productores empezaran la segunda parte de este viaje, al que titularon “Chapter 2”, esto aconteció en Setiembre del 2000, y fue lanzado en Alemania en marzo del 2001. Este trabajo sería re editado posteriormente en los Estados Unidos como “Illumination”, el año 2003. El producto de este segundo episodio fue enriquecido por temas más étnicos, claro ejemplo de ello es el cuarto track “África”, en el marco musical distinto en el que se agregaron instrumentos como el “Doudouk," una especie de gaita muy grande, además de mantener el entorno “gregoriano” en que se baso su primer disco, sin embargo no podemos encontrar en este temas tan “cargados” como el ya mencionado “Fundamentum”.
Lesiëm fue creado por Sven Meisel yAlex Wende, quienes han estado detrásdel concepto invitando a diversos músicos e intérpretes liricos, además de miembros del coro de la Ópera Alemana de Berlín, del que destaca la sorprendente voz de Maggie Reilly de Escocia.
El 2001, junto con su segundo álbum, se presento un gran espectáculo denominado "Leipziger Feuerzauber”, que puede traducirse como “El Fuego Purificador de Leipzig” que tuvo lugar en el Boulevard del Pueblo cerca a Leipzig. Más de 200.000 personas pudieron espectarlo en vivo y unos millones más por señal abierta.
Los dos primeros álbumes fueron una especie de preludio para el pomposo disco de Opera Pop titulado “Times”, disco en el que conjuran una vez más los elementos utilizados anteriormente. Ahora en el 2009, se ha anunciado el próximo lanzamiento de su nuevo disco, una cuarta entrega que nos abrirá las puertas a ese mundo fascinante de elementos mágicos entremezclados mientras hacen el recorrido hacia el descubrimiento de su verdad http://news.meiselmusicshop.de/?p=7
Delerium, grupo canadiense de música en constante experimentación e iniciado en 1987, presentó hace varios meses su disco "Nuages du Monde", de donde han extraído su más reciente single, el tema “Lost and Found”, en diferentes versiones extendidas y re mezcladas, acompañándolo de un video excepcional, que merece ser visto.
El proyecto Delerium, en un inicio fue abordado por influencia industrial y un grado gótico, mas en las sucesivas entregas que sucedieron al primero, se ha llegado a transitar por la electrónica, el chillout, además de mantener un velo new age en todos ellos.
Melodías y contenido envolvente, Delerium, que nació como parte del proyecto Front Line Assembly, se ha individualizado, y sus líderes: Bill Leeb, Rhys Fulber y Chris Peterson, la han llevado a un nivel de culto para muchos de sus seguidores.
Mas para quienes somos escuchas incidentales, podemos entender que consecuencia de la unión de estos tres inspirados músicos, se ha logrado no solo temas sólidos, con personalidad propia y nuevos, si no un conjunto audiovisual al que podemos llamar Arte.
Hernando Valdemar, escultor egresado de la Escuela de Arte de Trujillo "Macedonio de la Torre", ha mantenido una exploración silenciosa, interpretando la naturaleza al simplificarla en espacios breves y de superposición geométrica.
Elegido entre los mejores representantes de esta especialidad Hernando destaco por su versatilidad, y lo vanguardista de su creación que a pesar de ello tiene una carga iconográfica de las culturas pre - colombinas del norte del país, que nos habla de su profunda identificación con sus raíces y su pueblo.
